All it takes is One Bad Prologue – The Killing Joke Review

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El día 25 de Julio, tuvo su estreno mundial una de las películas de animación mas esperadas por parte de los fanáticos de los cómics de DC… en el cine y en digital, siendo la primera opción la que menos recomiendo (mis razones, mas adelante).

Batman: The Killing Joke (2016, D. Sam Liu), está basada en la novela gráfica del mismo nombre escrita por Alan Moore (Watchmen, The League of Extraordinary Gentlemen) e ilustrada, magistralmente, por Brian Bolland (Camelot 3000, Judge Dredd), siendo una de las novelas gráficas mas influyentes que han existido en la historia, y que narra una, sino es que la definitiva, historia de origen del Joker y su intento por probar que lo único que separa a cualquier hombre de convertirse en algo similar al Joker es solo un muy mal día.

El filme que se estrenó este pasado mes de Julio, cuenta con la participación de las voces de Kevin Conroy y Mark Hamill, dueto de voces que regresan a interpretar a Batman y Joker respectivamente, tal como lo hicieron hace mas de 20 años en Batman: The Animated Series (1994, C. Bruce Timm y Eric Radomski), acompañados de Tara Strong y Ray Wise.

La adaptación cuenta con varios puntos fuertes (tal vez demasiado fuertes), que se vienen abajo por una muy mala decisión en el apartado de guión.

Un Prólogo Inecesario

Si bien la novela gráfica es un hito en el universo de DC Comics, siendo considerada una de las mejores novelas gráficas creadas en la historia, es una historia muy corta y de una lectura muy ligera, siendo una entrega de menos de 50 páginas. Esta longitud la hace dificil de adaptar en una película de 70 minutos, tomando en cuenta el corolario cinematográfico de que 1 página de guión es igual a 1 minuto en pantalla, por lo que el escritor del guión Brian Azzarello se vió en la necesidad de crear un prólogo que resultó controversial, por decir lo menos.

El prólogo consiste en Barbara Gordon como Batichica narrando como “Antes del horror, Perseguir al crimen era emocionante” y nos trae una historia de cómo se engancha con un tipo sociópata, sobrino de un gran mafioso, y de cómo Batman la frena en repetidas ocasiones para que no cometa una burrada.

Hasta aquí todo suena mas o menos bien, pero este prólogo tiene 2 puntos que detonaron la furia de los fans como lumbre en bodega de paja:

No se conecta con la historia: El Prólogo se siente 100% fuera de lugar, ya que los hechos solo sirven para presentar a Barbara Gordon como Batichica y para introducir al segundo punto de dinamita de la historia. Nada más. Ninguno de estos hechos tienen consecuencias para los acontecimientos posteriores.

Sexo entre Batichica y Batman: Ok… Este punto en particular es MUY controversial. La clasificación R no impide este tipo de escenas, sin embargo, ¿porque CARAJOS Barbara se avienta a probar un poco del dulce amor que un Wayne puede dar? Entiendo que el motivo detrás de esto es para dar un peso mucho mayor a los acontecimientos posteriores (el balazo a Barbara por parte del Joker, quedando parapléjica), pero de verdad ¿había que llevarlo a ESE extremo? ¿No podía haber otra forma?. La razón de tanta furia, es porque Batman siempre se ha visto como una figura paterna y como un mentor hacia sus discípulos y compañeros, pero el hecho de que Batichica sienta el hervor del underwear hacia Batman, hace de este prólogo una historia que alejará a varios fans.

Una Adaptación Brillante

A pesar de los puntos antes citados, en especial el segundo que aún me lleva al borde del homicidio, a partir del minuto 28 de la cinta, empieza la gloria de adaptación. Cada diálogo, cada imagen, cada minuto es sacado directamente de la novela gráfica de una forma, no sublime, pero si muy respetable.

Una de mis partes favoritas es el número musical. Si, leiste bien: THE KILLING JOKE TIENE UN NÚMERO MUSICAL QUE FUNCIONA. Es una canción que el joker canta al Comisionado Gordon dentro del parque de diversiones. Es un show de Burlesque retorcido que culmina en un hombre clamando piedad gritando el nombre de su hija y cerrando al mas puro estilo de Broadway con la frase icónica “Don’t get even, get mad”. Es increible.

Sin embargo, por mucho el punto mas fuerte de la cinta, son las voces. Tomando en cuenta que todo el peso del filme recae en los hombros de Batman y Joker, son las voces las que nos brindan una actuación magistral, siendo la de Mark Hamill (Joker) la que nos regala cada onliner escrito por Alan Moore de una forma magistral, consolidándose (en mi opinión) como el mejor Joker de todos los tiempos. Si bien Kevin Conroy nos regala una actuación decente de Batman (y me refiero a Batman, no al de Nolan ni al de Burton, si no Batman Puro), es Mark Hamill quien se lleva las palmas.

Animación Decente, pero no suficiente

Otro punto controversial que esta adaptación tiene es sin duda la animación. Ésta se caracteriza por tener un estilo sobrio, simple y directo, muy similar al de mi otra película animada de Batman favorita, Mask of the Phantasm, de la que ya hablé en un artículo anterior. Sin embargo, esa película es de 1993, hace 23 años, por lo que el estilo de animación, si bien puede ser criticable, estaba vigente.

Si comparamos el estilo de The Killing Joke contra otras de ésta década como Batman: The Dark Knight Returns (2013, D. Jay Oliva), la animación se siente incompleta, torpe y hasta vieja.

Conclusión

A pesar de que la animación no es la mejor, Batman: The Killing Joke, a partir del minuto 28, rinde un profundo respeto al material original, brindandonos de una de las cintas de Batman mas fuertes que hay en el catálogo de DC, regalandonos sobre todo la mejor interpretación del Joker que existe sobre la faz de la tierra.

Si gustan ver el prólogo, adelante, solo que no digan que no se les advirtió.

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Angels & Airwaves, la música mas allá de la música

Uno de mis artistas favoritos de finales del siglo pasado e inicios del presente siglo, es Tom DeLonge. Sí, ese que escribió junto con Mark Hoppus canciones como “Dumpweed”, “Dammit” y “Apple Shampoo”. Ese que cantaba con tono chillón en Blink 182. Ese con cara de niño regañado en todo momento y estaba en una banda punk, que hacía Skateboarding y Surfboarding.

La pregunta inmediata sería ¿porque él?

La respuesta no está en Blink 182 ni en su proyecto inmediato después de Blink, Box Car Racer. No. La respuesta se encuentra en un proyecto que se distingue porque no es Punk ni Rock que es mas pesado que el Punk de Blink. Un proyecto que comenzó como un proyecto contiguo a Blink, pero que hoy es su único proyecto. Un proyecto que empezó como una banda de Rock alternativo y se ha convertido en todo un proyecto multimedia. Su nombre: Angels & Airwaves.

Ángeles y Ondas: De metafísica y rock

¿Que hace Angels & Airwaves diferente a otras bandas? Si bien sus inicios con su Álbum “We Don’t Need to Whisper” son mas un grito de desesperación por pasar mas tiempo con su nueva familia y aliviar la creciente tensión con sus compañeros de Blink 182, sentó las bases del objetivo de la banda: Música emocional, grande, con visión y con mensaje que va mas allá de quitarse los pantalones y la chaqueta (chiste relacionado a mi segundo álbum favorito de Blink 182, perdón 😬).

Sin embargo, el disco continúa sintiéndose adolescente pues aún falta la profundidad de algo mas trascendente (el mensaje de un futuro como utopía, si bien es algo diferente, aún es falto de profundidad). La profundidad llegaría en su albúm “I-Empire” y más con su sencillo “Everything’s Magic”. Con su portada con una clara influencia de los trabajos de Drew Struzan y posters de cine ochentero, nos presenta un álbum con un solo objetivo, Experimentar. Acorde al mismo DeLonge, “El Álbum anterior era sobre renacer, y este es sobre que hacer despues de renacer”. Éstas palabras marcarían el rumbo diferente de la banda que en ese momento solo se proyectaba como un nuevo proyecto de rock alternativo juvenil. Pero como la letra de su track dice: “Mira a las estrellas mientras el sol se pone, pues cada respiro tiene un sonido atronador”, pues su mira estaría en las estrellas.

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Portada de I-Empire con influencia de Drew Struzan

¿Que pasa si combinas Radiohead, U2, Pink Floyd y el séptimo arte? Algo de otro mundo.

En 2010, se lanza de forma gratuita en Fuel TV un álbum que tendría la ambición de llegar mas allá de buena música y un proyecto cuyo objetivo es el de transmitir un mensaje fuerte y claro. Un proyecto fuerte, pensado minuciosamente y con el único objetivo de hacer al público hacerse las preguntas que la humanidad se ha hecho desde el mismo inicio de los tiempos. En 2010, el proyecto Love se lanza con un álbum, para ser seguido en 2011 con un filme que narra la historia de un Astronauta en la ISS, justo cuando el mundo y la raza humana son exterminados por una guerra nuclear.

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Love 2010 y 2011 como proyecto conjunto

Si bien Love no tiene el mérito de ser el álbum que cambió la historia, si cambió la forma en cómo la industria y la crítica especializada cambiaron su criterio hacia una mente creativa que llevada por un buen rumbo, inspirada y sobre todo, que busca romper con sus propios paradigmas puede lograr.

De este proyecto, la parte con la que me quedo es con el siguiente video y canción, los cuales hablan sobre unidad, escuchar nuestro entorno e ir mas allá lo que vemos, pues estamos perdidos en mar abierto.

El filme por si mismo es una pieza que ha sido puesta al nivel de películas como Inception y Moon, aunque yo la pondría al lado de 2001: Space Odyssey, pues no tiene una narrativa fija, sino que busca la experiencia de autoconocimiento y búsqueda de respuestas en nosotros mismos. Recomendable.

Multimedia, la nueva frontera

Para sus siguientes 2 proyectos, The Dream Walker y Chasing Shadows, se inclinaría a la animación y al escrito, dándonos un regalo súmamente invaluable. Un proyecto artístico completo.

En la actualidad, con tantos generos que no hacen mas que repetirse así mismo, tanto en la música como en el cine, es refrescante ver gente que con sus propios medios, sin la abrumadora propaganda de los grandes “artistas” (extendiendo mucho el significado de esa ya devaluado término) puede lograr.

Tom DeLonge nos trae una enseñanza muy fuerte y es que el cambio está en uno, si uno apunta hacia la estrella correcta… o recibe la enseñanza de un gran arquitecto. ¿Porque lo digo? juzguenlo por ustedes mismos.

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…y no, yo no diseñé este logo. ¿No me creen? Visiten la tienda oficial de Tom

Peanuts, y la nostalgia bien manejada…

El pasado fin de semana me invitaron a casa de mis padres a convivir. Fue una tarde de tertulia que involucró acaloradas discusiones sobre situaciones financieras, económicas, académicas y sociales que me hicieron pensar en cuan adultas se han vuelto mis conversaciones, mis temas de interés y sobre todo, el cómo reacciono a muchas de estas situaciones.

Mi hermano llegó poco después de las 6 de la tarde con 3 películas en su mano, entre ellas una película que se me escapó del cine, pero que mi yo de 5 años hubiera matado por ver en el cine. Peanuts: The Movie.

Siendo alguien que conoce a Charlie Brown y que ama películas como Snoopy, Come Home (1972)Race for Your Life, Charlie Brown (1977) y los especiales A Charlie Brown Christmas (1965) y It’s the Great Pumpkin, Charlie Brown (1966), significó mucho el ver los avances de esta cinta, sobre todo porque eran modelos 3D los que se veían.

¡¿CÓMO VAN A HACER UNA PELÍCULA 3D DE CHARLIE BROWN?!

¡¡¿¿ C O M O ??!!

Sin duda estaría equivocado al dudar de la calidad, pues la película me restregó en cara mis dudas y las tiró a la basura, de una forma muy, MUY satisfactoria.

Animación nueva… a la antigua

El primer punto que tiene una aprobación muy fuerte para la gente de Blue Sky (a quien los supervisó la gente de Schultz personalmente) es el estilo de animación. Si bien el modelado de los personajes es en 3d, uno no piensa en eso durante los 88 minutos que dura esta cinta, sino que, a pesar de contar con un presupuesto digno de una producción de alto calibre, la sensación de cada movimiento de los personajes, las posiciones que adoptan en pantalla, el ángulo en que se pone la gorra de Charlie, Snoopy en sus aventuras, todo se siente como los especiales y las películas que no contaban con un presupuesto fuerte, pero que tenían su propia identidad: inocentes, introspectivas, tiernas, etc. Yo no vi una película en 3D, yo vi Peanuts… y eso es un logro increible en estos días.

Musica de antaño… casi

Mis oídos fueron trasladados a una epoca de mas de 20 años (tengo 30, así que no pude ver nada de Peanuts hace mas de 30 años) en la que vivía con mamá y papá, mis preocupaciones eran sobre cómo le hacía mi mamá para hacer que sus cobijas y sabanas quedaran tan lisitas cuando tendía la cama, en comerme el cereal antes de que dejara de crujir… a un tiempo mucho mas simple. Eso hasta que entró un Montaje en el que Snoopy le enseña a Charlie algo y se escuchan las piezas Better When I’m Dancin’ de Meghan Trainor “That’s What I Like” de Flo Rida (ft. Fitz). No me malentiendan, no tengo nada en contra de dichos artistas, solo que no entiendo el porque poner música pop (que vuelven a una película en una “película de periodo”) en algo que tiene todos los elementos para ser timeless. Terrible selección musical. Pero es la única queja que tengo hacia esta película que fuera de esto, se convirtió en una de mis favoritas de animación.

¡Es una historia de Peanuts, Charlie Brown!

La historia es el punto mas fuerte de esta cinta. Siendo Charlie Brown cómo es: inseguro, torpe, ingenuo, pero de buen corazón; tiene la noticia de que se muda una chica nueva enfrente de su casa. Para él significa un nuevo inicio, pues se trata de alguien que no lo conoce por ser, bueno, Charlie Brown, además de ser bonita y convertirse en su crush inmediato. Pero todo se viene abajo, cuando en el festival de talentos, previo al invierno, no realiza su acto de magia que estuvo practicando para impresionarla, y ayuda a Sally con su número de vaquera que no estaba saliendo bien. Charlie hace todo lo que puede para ser notado de buena forma, pero los eventos siempre juegan en su contra, lo que provoca que su confianza disminuya a cada instante. Hasta que llega el momento del examen de su clase, donde después una confusión de nombres con Peppermint Patty, Charlie resulta ser el alumno de la calificación perfecta, convirtiéndolo en el chico mas buscado y popular, no solo de su clase, sino de toda la escuela. Quitando Spoilers, solo hay que mencionar que todo se viene abajo, pero al final, se da un discurso conmovedor sobre por qué Charlie Brown no es torpe, sino sólo alguien que necesita una oportunidad, alguien noble. Una historia que, como siempre, nos dice que lo importante es la confianza en uno mismo, y que no nos importe la opinión de la gente. Una historia de Peanuts.

Un mensaje que va mas allá de Charlie Brown

Al terminar la película, tuve que regresar a casa, lejos de ese cobijo que es la casa de mamá y papá, lejos de ese cuarto que siempre tuvo la cama hecha pero arrugada, lejos de ese refri con leche que me volvía aguado el cereal… Pero por otro lado, vi a Charlie Brown otra vez y recordé por qué me identificaba tanto con él. Es el niño que todos conocen porque siempre la riega, el niño que busca mejorar lo que hace pero siempre le salen mal las cosas, el niño que quiere ayudar pero acaba haciendo el problema mas grande… pero es el niño al que de una forma u otra le falta ese reconocimiento para que todos lo sigan. Ese niño que tiene la capacidad de ser un líder comprensivo y justo pero no tiene la madurez para serlo. Ese niño que, en algún momento, fuí… pero que descubrió a su pequeña niña de pelo rojo que le cambió la vida y lo hizo sonreír. Que hizo ver a ese niño y agradecerle por enseñarle a ser el hombre que ella quiere y necesita ser. Ese es el poder de esta película y el poder de traer la nostalgia de vuelta, para después despedirse con la promesa de que tal vez regresará…

Peanuts, gracias por recordarme todo esto, y gracias por hacerme entender que solo se requiere el impulso correcto para poder seguir adelante.

Es una gran película, Charlie Brown…!!!

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Cine de cómics, y de cómo Spielberg afirma el respeto al mismo

A mediados de este mes, durante el Festival de Cine de Cannes 2016, en una entrevista para Omelete, el legendario cineasta Steven Spielberg (quien no necesita presentación y admiro desde que tengo uso de conciencia) indicó lo siguiente:

“I love the Superman of Richard Donner, The Dark Knight, Christopher Nolan, and the first Iron Man, but [the] superhero film that impressed me most is one that does not take itself too seriously: Guardians of the Galaxy. When his projection was over, I left with the feeling of having seen something new in movies, without any cynicism or fear of being dark when needed. There is a difference between heroes and superheroes. The hero is an ordinary person who is faced with a serious fact and acts to modify it. A hero is a person who, walking down the street, see[s] a car on fire and runs [to] help the person who is in the driver’s seat, attached to the seat belt to loosen. [A] superhero is a person who, on the same scene, would fly to the car and try to turn it upside down and shake it using his super strength, until the driver is released. I identify more with the first example. Film[s of] everyday heroes.”

Así es, leyeron bien, Guardians of the Galaxy es la película de superhéroes que Steven Spielberg menciona como la que mas lo impresionó.

Pero, ¿Porque el cine de cómics es diferente ahora, y porque es tan trascendente esta declaración?

Cine de Cómics, Tendencia y Moda

Durante muchos años (particularmente en la década de los 90 y principios del 2000) el cine basado en historias de cómics, Live Action o Animado, se encontró en un punto que sólo puede tacharse como descuidado. Con terribles versiones de Capitan America (1990), Steel (1997), Tank Girl (1995), Barb Wire (1996), Judge Dredd (1995), por no mencionar las que sí tuvieron una mayor promoción, pero que fueron igualmente infames de sus homólogas en cómic, como Spawn (1997)Batman & Robin (1997)Hulk (2004)The Punisher (2004)Fantastic Four (2005) o Ghost Rider (2007), mostraron que, si bien existía un interés en ver las obras salir del papel y la tinta hacia la pantalla grande, éste no recibía el trato apropiado, el esfuerzo requerido o simplemente la paciencia para ser desarrollado.

Quienes entendieron este concepto de paciencia y esfuerzo, y tratar las obras de las, mal llamadas, tiras cómicas, comenzaron con experimento y películas estilo Indie, pero que han acaparado una base de fanáticos cuyo esfuerzo se ve en la categoría de Filme de Culto con la que cuentan hoy en día. Tal es el caso de películas como The Crow (1994), Darkman (1990), Teenage Mutant Ninja Turtles (1990)Blade (1998) o V for Vendetta (2006).

Sin embargo el éxito mainstream no llegaría sino con la salida de una película que nos mostró el potencial de tomar una propiedad intelectual fuerte, con muchos personajes, darle el tono serio que amerita y captar una audiencia mas grande. No, no hablo de Iron Man (aunque no quiere decir que no hablaré de ella). Hablo de la dirigida por Bryan Singer X-Men (2000). Ésta no sólo nos mostró lo que un toque de buen cine puede hacer con una historia como la del grupo liderado por Charles Xavier, sino lo que un buen casting puede lograr (ya es difícil no ver a Hugh Jackman como Wolverine), así como la dedicación y atención al detalle (El maquillaje y efectos de Rebecca Romijn-Stamos como Mystique son algo aún increible) son herramientas que pueden convertir algo considerado para niños y adolescentes, en algo que puede captar audiencias mas grandes y atención de los críticos en el mundo (por no mencionar ganancias reales en taquilla).

A partir de este punto, ha sido un viaje sin retorno de éxitos que han marcado tendencia en el gusto de la gente, siendo el proyecto mas grande el Marvel Cinematic Universe, cuyo filme mas importante es The Avengers (2012), que recaudó $1,500 MDD en taquilla, demostrando el impacto de estas películas.

El Hype que generan estas cintas es tal, que los mismos estudios han autorizado publicar los calendarios de los próximos 4 a 6 años, algo que nunca se había hecho por parte de ningún estudio, demostrando que las mismas son una apuesta segura a ganancias y gusto en el público.

Los Superhéroes están para quedarse…

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Crítica sin información, el cancer de la sociedad

El internet ha abierto las puertas a que todos expresemos una opinión diferente sobre algún tema. Esta opinión está basada principalmente en cómo nos sentimos en el momento de redactar o hablar de la misma. Esto no es malo, ya que es una forma de desahogar nuestra necesidad de emitir nuestros acuerdos o desacuerdos respecto a un punto en específico.

Pero, ¿Qué diferencia existe entre una opinión y una crítica?

A diferencia de las opiniones, la crítica tiende a resaltar los puntos fuertes y las áreas de oportunidad que existen sobre algún tema o producto. Estas deben estar siempre argumentadas en base a un conocimiento previo y tener una fuente a la cual nos podamos remitir para fundamentar nuestras palabras.

La crítica puede ser:

  • Constructiva: trata de no solo indicar las fortalezas de un producto o tema, sino que las áreas de oportunidad las indica junto con la posible solución o forma en las que éstas pueden mejorar.
  • Destructiva:  a diferencia de la anterior, ésta busca desacreditar en todo momento la validez del producto o tema, enfocando solo a las áreas de oportunidad, sin brindar una solución o vía para mejorarlo.

La primera tiende ser una crítica realizada por gente con conocimiento previo, con experiencia, o simplemente, gente que se documentó con información acorde al tópico del cual se hará referencia. Esa es la palabra clave: “INFORMACIÓN”.

El segundo tipo de crítica tiende a ser agresiva, pero la peor es que llega a ser, en muchas ocasiones, sin fundamentos. Incluso, llega a llevarse a un nivel personal. Y ese es el problema.

¿Que tan lejos puede llegar una crítica sin fundamentos?

Para citar un ejemplo, veamos lo que está ocurriendo en internet en los últimos días.

Recientemente ha habido mucho ruido respecto a la nueva película de Paul Feig, Ghostbusters, un remake del filme homónimo de 1984 dirigido por Ivan Reitman.

La crítica ha sido dura con los trailers que han salido a la luz, especialmente con el primero (al respecto, escribí mi propia opinión). El propio trailer, al momento de  esta redacción, tiene prácticamente un 85% de malas opiniones (pulgares abajo), lo que lo han convertido en el trailer más odiado de la historia de youtube. Ésto ha desatado una fuerte controversia, ya que Vanity Fair, citando al árticulo anterior, comenta que no es dificl ver la misoginia detrás de dicho articulo. James Rolfe a.k.a. The Angry Video Game Nerd publicó un video en el cual comenta que él no verá la película en cine ni hará una reseña de la misma, mismo que ha sido objeto de críticas terribles al respecto.

Analizando un poco lo que ha venido sucediendo, y poniendo atención a los artículos publicados, podemos ver lo siguiente:

  • YouTube, en su herramienta de opinión basada en “Likes”, Solo muestra la opinión de aquello que han visto el video y han dado click en dicho botón, lo que no significa que sea verídico, pero sí representa una muestra del gusto de la gente que ha visto el trailer.
  • James Rolfe (a quien sigo desde hace ya muchos años) es alguien que se ha documentado y ha indicado no verá la película basándose en varios hechos que vienen desde los tiempos en los que se rumoraba una Ghostbusters 3. En ningún momento menciona que el motivo para no verla se bas en la elección de un elenco femenino, sino en cuestiones como efectos mediocres y humos promedio. Asimismo, comenta que solo se está usando el nombre para lanzar un producto de calidad mediocre que necesita forzosamente de un gancho para generar ganancias.
  • Las críticas por parte de medios especializados están siendo duras hacia la gente que no ve con buenos ojos la producción dirigida por Paul Feig, argumentando que todo comentario es misógino por la elección de un elenco principal femenino.

En el último punto es donde hay un fuerte conflicto. Estamos hablando de Medios Especializados. Hay gente de The Guardian y de Variety indicando que los comentarios de Rolfe son un berrinche de alguien inmaduro, o de un hombre macho quejándose del reparto femenino, cuando no se trata ni de una cosa ni la otra.

Uno podría pensar que las críticas destructivas hacia Rolfe, están siendo generadas con el fin de apoyar a la productora, quien parece tener algún contrato de patrocinio (no digo que así sea, pero es una posibilidad que no se puede descartar), ya que es notorio que ninguna de estas personas, llamadas “Profesionales de la comunicación”, ha visto con detenimiento el video de James, lo que me hace dudar mucho de la veracidad de sus comentarios, por lo antes dicho.

Sea como sea, Una crítica sin fundamentos es como una casa sin cimientos. Puede tener muchos adornos, muchos altibajos y muy buena estructura, pero sin fundamentos, se vuelve frágil al primer golpe bien dado.

¿Whitewashing? ¿Porque se hace?

El día de hoy, uno de los reviewers que más sigo, y admiro, en internet, Doug Walker a.k.a. The Nostalgia Critic, publicó una editorial que habla sobre el “Whitewashing”, que no es más que el poner actores americanos (White People) a actuar en papeles de personajes de etnicidades diferentes.

Esta es el comentario que puse en los foros de Channel Awesome, ya que es un asunto que no va a cambiar. (Lo traduzco y dejo el texto en inglés tal como aparece en los foros):

Estoy de acuerdo con estar en contra del Whitewashing, sin embargo, aquimuestro algo que pasó, y seguirá pasando, aquí en México, ya que las olimpiadas se encuentran a la vuelta de la esquina.

En México tenemos un equipo de atletas paralímpicos muy fuerte (Lo cual es irónico, ya que nuestro equipo Olímpico tiene problemas, pero ese no es el punto). Cada 4 años, dicho equipo regresa a casa con una buena cantidad de medallas (tan sólo en 2012, México regresó con 21 medallas mientras que el otro equipo, solo tuvo 7).. Pero el asunto es que no existe una transmisión de ningún tipo para los eventos Paralímpicos. Mientras que los otros obtienen una cantidad enorme de publicidad, los paralímpicos son limitados a sólo anuncios en las noticias de las 3PM. Esto detonó una fuerte controversia en las redes sociales con gente EXIGIENDO a las 2 televisoras importantes (Televisa y TV Azteca)  que dediquen más tiempo aire a los paralímpicos, ya que tienen un mejor desempeño que nuestro equipo “Regular”.

Pero la pregunta es: ¿De verdad queremos ver una competencia paralímpica completa? ¿Es un evento que todo mundo quiere ver? Bueno, no exactamente.

Como Doug comenta en su editorial, la mayoría de los negocios son manejados de forma que al final de un proyecto o evento se obtengan ganancias, ya que el poner en marcha dichos proyectos representa una inversión. Y aquí es donde la controversia empieza.

La gente es muy quisquillosa con los productos que quieren ver en línea o por TV. Al menos aquí en México, a la gente quiere el fácil, soso y estúpido contenido que proveen las telenovelas, la mala comedia y los estúpidos programas de concursos que hay al aire.

El punto es que si pones a la gente en una posición donde no pueden distraerse a si mismos de los problemas del mundo, o de los propios, la gente simplemente rechazará ese contenido. Ellos quieren lo que les resulte FAMILIAR.

Por eso existe el Whitewashing, porque la gente quiere ver lo que les resulta familiar y fácil. Solo echenle un ojo a “El Nacimiento de una Nación (Dir. D. W. Griffith, 1915)”. Ésta película muestra cómo Estados Unidos fue reconstruida después de la guerra civil. Y tiene personajes negros interpretados por actores blancos e incluso tiene al maldito KKK. Pero fue realizada para la agente de ese momento, quienes se sentían incómodos por ver gente de etnicidad distinta.

No digo que yo esté a favor del Whitewashing, solo digo que es una decisión tomada por los estudios para que puedan vender más, porque la gente no gusta correr riesgos en (no digamos pensar) SER ENTRETENIDOS. Todo el mundo tiene la idea de que el cine es solo un medio de mero entretenimiento (a los fans de Happy Madison les gusta esto) y no quiere pagar un boleto para sentarse en una sala de cine a pensar.

Es algo que no va a cambiar pronto.

Texto en inglés:

I do agree with being against the Whitewashing, but here’s what happened, and will happen, here in mexico, since the Olympics are just around the corner.

In mexico we have a very strong Paralympics team (which is very weird, because our Olympics team has a lot of issues, but that’s not the point). Every 4 years they come home with a good amount of medals (in the summer paralympics of 2012, Mexico won 21 medals while the other team got just 7). But the thing is that there is no broadcast at all for the Paralympic events. The other ones got a huge amount of publicity, while the paralympic are kept only for announcements on the 3 o’clock news. This triggered a huge controversy around social networks with people asking that the 2 major TV Broadcast Companies (Televisa and TV Azteca) MUST give the same amount of air time to the paralympics, since our team has a better performance than the “Regular” Team.

But the thing is: Do we really want to see a complete Paralympic competition? Is it an event that Everybody will want to watch? Well, not exactly.

As Doug said in the editorial, most of business are run in a way that in the end of a project or event they got revenews, since putting those projects on the go represented an investment. And here is where the controversy starts.

People are very fussy with the products that they want to watch online or on the TV. At least here in mexico, people want the easy, silly and stupid content that the Soap Operas, Bad Comedy segments and Stupid contest shows can provide.

The fact is that if you put people in a position where they cannot distract themselves from the problems of the world, or their own problems, people will just reject that content. They want what’s FAMILIAR to them.

That’s why the Whitewashing exists, because people want to see what they consider familiar and easy. Just look at The Birth of a Nation (Dir. D. W. Griffith, 1915). This movie showed how america was reconstructed after the civil war. But it has Black Characters played by White actors and even has Fucking KKK in it. But was for people of that time who were uncomfortable with watching black people.

I’m not saying that I support the Whitewashing, but I’m saying that is a decision made form studios so they can sell more, because people don’t want to risk anything for (let’s not say think) BEING ENTERTAINED. Everybody still has the Idea of cinema is only an entertainment media (Happy Madison Audiences like this) and don’t want to pay a ticket to sit in a cinema theatre and think.

It’s something that’s not going to change any time soon.

 

A Call I Won’t Answer – Ghostbusters Trailer #2 o como seguir dándole al traste a una franquicia

Ok, empiezo a tener problemas serios con esta película.

Se lanzó el segundo trailer de Ghostbusters (2016, Dir. Paul Feig) mostrando más elementos de la trama, más exposición de los roles del reparto, más efectos visuales… y más de porque esta película es decisiones en todas las direcciones erróneas.

Primero que nada, voy a aclarar un punto: No tengo nada en contra del reparto femenino. en absoluto, no tengo nada en contra de ello. El hecho de que el reparto sea 100% femenino y que el recepcionista del GBHQ sea Chris Hemsworth (Thor, Rush, Snow White & The Huntsman) no son elementos que hagan de esta una mala película.

¿Que hace a una película una mala película?

Primero que nada, las películas, todas sin excepción, se componen de varios elementos: Diseño de Producción, Reparto, Guión, Efectos especiales, y el más importante de todos, la Dirección.

En el caso de la primera y original Ghostbusters (1984, Dir. Ivan Reitman), Las decisiones tomadas fueron muchas correctas, empezando por el guión y la dirección. El guión escrito por Harold Ramis✞ y Dan Aykroyd fue algo que nadie esperaba que se convirtiera en una de las mejores comedias de todos los tiempos. El reparto, compuesto por los mismos guionistas, Bill Murray (con quien Harold Ramis ya había trabajado en Stripes),Ernie Hudson, Sigourney Weaver, Annie Potts y Rick Moranis, se trató de elecciones balanceadas entre comedia y seriedad que le dieron autenticidad. Los efectos especiales a cargo de Richard Edlund (Star Wars Saga, Battlestar Galactica, Poltergeist, Raiders of the Lost Ark) tenían el balance perfecto entre cómicos y baratos y de terror. Pero todo esto fue gracias a la dirección de Ivan Reitman, quien no solamente fue quien tomó las decisiones (en compañía de Aykroyd y Ramis) sino que sabía que teniendo el balance entre comedia y seriedad se podía obtener un producto que trascendiera las barreras del tiempo. Una buena película.

Y la palabra clave es BALANCE. La original se mantiene en un balance entre comedia y seriedad que nos permite a nosotros como audiencia tomarla en serio en los momentos que así lo requiere, pero verla como una comedia en los momentos donde la risa simplemente es incontenible.

Y aqui falla la nueva.

Una mala película (voluntaria o involuntariamente)se caracteriza por diálogos o humor exclusivos de la época en que fue filmada, dialogos que se sienten forzados, una trama que da muchas vueltas sin llegar a ningun lado o a lugares que el público se siente incomodo de ir, y sobre todo a una dirección que no se toma en serio su trabajo.

Lo que hemos visto de la nueva Ghostbusters son: Efectos tipo Haunted Mansion (malos por definición), Humor actual (No todos somos fans del humor tipo Eddie Murphy), dialogos que se sienten forzados. La trama hasta ahora no la podemos juzgar, pero si hasta ahora hemos visto elementos que son sintoma de que no se esta tomando en serio el nombre Ghostbusters, no hay forma de que esta película capture a los fans y se convierta en un clásico.

Solo quedará como otra comedia de los 2000’s…

 

Doom, ya te extrañaba…

Ah, los videojuegos… Esa forma de entretenimiento que se volvió popular a mediados de los 8 y que se han convertido en algo más que un medio para perder el tiempo. Dentro de las categorías de esta forma de diversión, se encuentra uno que en los últimos años ha ganado un fuerte momentum: El First Person Shooter.

Juegos como Halo, Call of Duty y Las sagas de Tom Clancy, han dotado de este género de una nueva vida. Sin embargo, son ejemplos de juegos con historia dramática y cinemática, mecánicas de juego complejas y que, de alguna forma u otra, han dividido a la base de jugadores de shooters.

Esto no siempre fue así. En 1993, id Software trajo al mundo un juego que es considerado el padre todos los shooters. A pesar de no ser el primero en su género, el solo mencionar su nombre es suficiente provocar el “Wow” en cualquier gamer de antaño. Es símbolo de respeto. Su nombre: D O O M .

Corriendo en el motor diseñado por John Carmack, el diseño de niveles y programación de John Romero y los diseños de personajes de Adrian Carmack, Doom fue una revelación en su época gracias a un juego vertiginoso, enemigos de diseños brutales, sonido y música envolventes y energizantes, y el mantra que dicta “En los juegos, como en el porno, la trama puede estar ahí, pero no es necesaria”. Acción en toda la extensión de la palabra.

En términos personales, descubrí Doom en el año de 1998, cuando cursaba la Secundaria. En el centro de cómputo de la escuela donde cursé esos 3 años, alguien tuvo a bien instalar una copia del juego en todas las computadoras del mismo, y se convirtió en el vicio de varios alumnos que, durante al menos el primer año de mi estancia, nos la pasabamos jugando doom en lugar de salir al receso.

Años después, me enteraría que existían versiones distintas de Doom: Doom, Doom II, Doom 95, Ultimate Doom, etc. Era un juego al que fue complicado darle un seguimiento concreto.

En 2004, ante la mirada y saliva de todo el público gamer, se estrena Doom 3 para PC y Xbox. Este título le daría un giro al amado shooter llevándolo a los terrenos del terror, decisión que muchos vería como contraproducente. Adiós al fuego vertiginoso, al enfrentamiento cara a cara contra los enemigos, a las grandes armas over-the-top y a la música tipo Heavy Metal que nos llenaba de adrenalina ya ganas de asesinar demonios. A pesar del éxito, Doom 3 se sentía como un chicle cuando lo has masticado mucho tiempo: Sin sabor.

12 años después, después de que id Software fuera adquirida por Bethesda (The Elder Scrolls, DiRT, Fallout) y después de la salida de los 3 fundadores de id Software, es lanzado para consolas y PC un juego que, siendo sinceros, lo tuve fuera de mi radar, pero que al ver el nombre, sentí esa vibra en la espalda de cuando estás a punto de tirarte por una tirolesa de 100 mts. Un nuevo Doom está aquí.

DOOM (2016) nos trae de regreso al ritmo, a la sed de sangre, a la música vigorizante, a las armas grandes y a los demonios que son una amenaza. Sin tutoriales en el juego (Nada de “con este botón disparas, con este pones la mira, con este…” ¡¡¡NADA DE ESO!!! Nos regresa a la época de los manuales en papel, y si no quieres leer, avientate a descubrir los controles sobre la marcha.

Por supuesto, toma elementos de los shooters más actuales: Las Glory Kills que son tomadas de los asesinatos de Gears of War y Halo 5, pero con testosterona y sangre, y la modificación de armas de RPG’s modernos como Mass Effect. DOOM vino para quedarse.

La Música, de la mano de Mick Gordon (Killer Instinct (2013, Seasons 1 & 2), Need For Speed Shitf 2, Wolfenstein: New Order y Old Blood) es un homenaje a las notas del antiguo Doom, pero llevadas al extremo del Metal actual. Lleno de Bajos fuertes, Guitarras distorsionadas y Batería frenética, es muestra de la influencia de bandas como Slipknot (en sus inicios), Carcass, In Flames y demás bandas que son ritmo llevado al límite, el solo escucharlo es suficiente para querer hacer Headbanging sin control.

Sin duda los jugadores actuales (millennials en su mayoría) verán a DOOM con ojos extraños, pues acostumbrados a juegos de táctica fija y toma de posiciones (Call of Duty, Rainbow Six, Ghost Recon y demás) estarán fuera de su terreno con un juego en el que tienes que enfrentar y matar a tus enemigos sin piedad.

DOOM, ya te extrañaba…

 

¿La mejor pelicula de Batman?

Hace unos meses, cuando el hype de Batman V Superman comenzó a ganar fuerza, y se anunció el lanzamiento de una pelicula basada en una historia de Alan Moore que mas adelante mencionaré, vino a mi mente la pregunta: ¿Cual es la mejor pelicula de Batman? o aun mejor, ¿Cual es la mejor representación de Batman en el cine? (creo que la segunda pregunta es mas apropiada).

Batman, como con todo buen mexicano crecido en los 90’s, llegó a mi gracias a las repeticiones que el canal Fox hacia de la Serie de Adam West; esa mítica serie MUY setentera (¿alguien recuerda el “Batusi”?) nos regaló una imagen de Batman demasiado “Family Friendly” que a la fecha hace que las mamás digan “Sin los “Pum”, “Scratch”, “Wam”, no es “Batman”. Sin embargo, es el primer Batman que vi, y que me atrapó por los gadgets tan fantasticos que el vigilante de ciudad gotica siempre tenía a su disposición, los villanos Over-The-Top contra los que se enfrentaba, las frases del chico maravilla y uno de los mejores baitmoviles que han existido (Mucho mas practico que el “Tumbler”). Aun tengo en casa de mis padres un LP con el Soundtrack.

Cuando fui creciendo, descubrí que en 1989 Tim Burton realizó la película de Batman que hoy es considerada la mejor Live Action. Estelarizada por Michael Keaton (podría decirse que es uno de los mejores batman, sin duda en mi top 3) Batman toma elementos del Dark Knight de Frank Miller y del arte visual de Alan Moore, para regalarnos una representación oscura, gótica y mas acercada al material original… al estilo de Burton. Esto es aun mas evidente en la secuela Batman Returns. El problema de estas 2 cintas es que, si bien hay cierto respeto por el material original, tiene el sello de Burton por TODAS PARTES! En un momento llegué a pensar que la nevada del inicio de Batman Returns era provocada porque Edward Scissorhands estaba en la cima de la Wayne Tower haciendo esculturas de Hielo. Son extremadamente bizarras… mas la segunda que la primera.

Con el paso del tiempo, la imagen del caballero de la noche fue deteriorandose gracias a la mano guiada-por-productores de Joel Schumacher que no hizo mas que, para muchos fans, arruinar al ya de por si poco respetado vigilante.

La decada de los 2000’s fue mas generosa, gracias a la dirección de Christopher Nolan con Batman Begins y con la segunda mejor película live action, The Dark Knight. Ésta última nos brindó una imagen hiperrealista de una ciudad gótica en decadencia, un Bruce Wayne acoplandose mas a su alter-ego y un Joker amenazante y casi enfermo… pero con el estilo de Nolan. Si bien las peliculas de este director son buenas, tienen su estilo tambien por todas partes: Pretenciosas desde la fotografia y la edición, hasta los dialogos, siempre buscando frases para el trailer o para que se queden en las listas de la AFI, forzadas a mi gusto, y muy largas para la mayoria del publico.

Sin embargo, olvidamos que antes de Joel Schumacher, Warner Bros. estuvo en un enfrentamiento fuerte por ratings contra Disney y su Disney Afternoon. Es en esta epoca que surgen series animadas como Animaniacs y Freakazoid. Sin embargo, se aventuraron mas allá del humor Slapstick.

De la mano de Alan Burnett, Paul Dini, Martin Pasko y Michael Reaves, Batman: The Animated Series nos entregó una historia diferente. Cargado de Art Deco, animación increible y temas adultos, Warner nos entregó una de las mejores series de los 90 que hayan llegado a la pantalla chica. Nos entregó a Batman. Y eso es mucho decir.

La serie animada de Batman nos trató como adultos a pesar de ser creada con un publico infantil en mente (al menos en la mente del departamento de marketing). Un Batman humano, con villanos, si bien muy over-the-top, con un background que los hacia humanos, y una ciudad gótica con vida, con policias corruptos, con mafia y crimen organizado. ¡ B A T M A N !

Y es entonces cuando surge una película que nadie vió, que no fue traida aquí a los cines mexicanos. Una película que Gene Siskel y Roger Ebert lamentaron no haber visto en las salas de cine. En 1993, de la mano del equipo creador de Batman: The Animated Series, se lanza Batman: Mask of the Phantasm.

¿Que hace a esta entrega diferente?

Primero que nada, la narrativa. Durante una intervensión de Batman en una entrega de billetes falsos por parte de Chucky Sol, se presenta un nuevo vigilante (que despues conoceriamos como Phantasm) con intensiones muy distintas a las de Batman. Como ya sabemos, El caballero de la noche es famoso por tener un codigo personal de no matar a sus enemigos, sino de llevarlos a la justicia. Phantasm busca asesinar a Chucky Sol y a otros miembros de la mafia. Durante dichos eventos, Batman es visto por testigos, asegurando que fue él quien asesiná a los miembros de la mafia. El comisionado Gordon no emprende la caceria de el murcielago, sino Arthur Reeves, el consejero de la ciudad. Encima de todo esto, vuelve a Bruce alguien que marcó un punto crucial en su conversión al Murcielago, Andrea Beaumont, su primer interés amoroso despues de la muetre de sus padres.

Todo este mixture, narrado de forma dinámica, con flashbacks a como Batman fue surgiendo y la primera vez que se pone la mascara, hacen de esta pelicual un festín para los fans, sin mencionar la aparición del Joker y la mejor risa de Joker que Mark Hamill (si, Luke Skywalker hace la voz del Joker) nos puede ofrecer, hacen de esta pelicula una joya.

Como lo mencioné, la voz del joker es de Mark Hamill, quien crea a un joker al borde de la locura, de la insanidad, pero que sabe lo que quiere, que tiene un plan. Sin embargo, no es la única voz que sobresale. Kevin Conroy nos regala a un Batman que no hace tanta diferencia entre el millonario y el vigilante (te estoy viendo Christian Bale). Muestra una voz varonil, profunda, pero que tambien muestra los matices de confusión frustración y un pasado turbulento. Uno de los mejores Batman que ha tocado la pantalla grande.

Pero, en verdad, ¿El Mejor Batman?

Batman: Mask of the Phantasm nos regala una historia con misterio, con un pasado oscuro y fuerte, con personajes cuyas decisiones han influido fuertemente en su ahora y que nos hacen pensar la pregunta “¿y que tal si…?”. Eso es el trabajo de un guión excelentemente armado, de alguien que quiere que sus personajes sean intrigantes y completos.

A diferencia de las películas de Burton, Schumacher y Nolan, que tienen un estilo muy distintivo, Mask of the phantasm solo tiene el estilo de la serie animada de los 90, cosa que no es para nada mala pues es un producto que fue y es aun muy bien recibido por los fans del caballero de la noche.

Lo que nos lleva a la que ya se está perfilando como la mejor pelicula de Batman que haya existido.

En 1988, Alan Moore (The League of Extraordinary Gentlemen, Watchmen, V for Vendetta) el que aun hoy en día es considerado, solo por debajo de Batman: Year One y Batman: The Dark Knight Returns, El mejor comic del Vigilante de Ciudad Gotica: The Killing Joke. Lo que hace especial a esta historia es el factor Joker. En esta historia, se narra parte de como el Joker llegó a convertirse en El Joker (valga la redundancia) y como este personaje es un verdadero elemento del caos que no pretende mas que volver loco al mismo comisionado Gordon y de paso Batman, mediante el secuestro de Gordón y una lesión que deja invalida a Barbara Gordon. Todo esto en un parque de diversiones abandonado.

Se preguntará el respetable lector, ¿porque tanta historia? Durante 2015, el equipo productor detrás de la serie animada y de Mask of the Phantasm, anunciaron la  realización de The Killing Joke como parte del DC Universe Animated Original Movies, con fecha de lanzamiento en 2016. Se anunció después que el reparto de voces tendría a Kevin Conroy y Mark Hamill, retornando en sus papeles de Batman y Joker respectivamente. Estos factores fueron suficientes para elvantar un Hype que estallaría entre los fans de comics en todo el mundo, cuando en Febrero de 2016 se anunció que la pelicula tendría clasificación por parte de la MPAA (Motion Picture Asociation of America) de R (Restringida a mas de 18 años).

¡¡¡…PUM…!!!

La pelicula se estrenará en Julio de 2016, y obvio, tendrá su respectiva reseña por un servidor, en cuanto se adquiera…

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Los amigos que nunca se fueron, 12 años sin Friends

Un día como hoy pero de 2004, se transmitió el episodio final de una de las series que marcó a gran parte del público televidente de los años 90 y principios del 2000, una serie que tomó ciertos riesgos, pero que a su vez cambió ciertas reglas dentro de la industria de la TV en Estados Unidos, así como también contribuyó a la cultura pop que hoy en día se recuerda con nostalgia y alegría.

Friends, narra las situaciones y dilemas de un grupo de amigos veinteañeros en New York, ubicándose específicamente en Greenwich Village, Manhattan, y de cómo la amistad es el valor más fuerte que los une y los lleva a resolver sus dilemas, todo con un sentido del humor propio de la edad y de la época de los personajes.

¿Qué hacia diferente a Friends?

Durante la década de los 80’s y principios de los 90’s, el universo de los sitcom norteamericanos estaba enfrascado en historias de familias suburbanas (Happy Days, Family Ties, Small Wonder, Full House, etc.), amigos adultos con problemas adultos (Sienfield, Cheers, etc.) y el advenimiento de los sitcoms infantiles (Clarissa, Sister Sister, Pete & Pete, etc.). En los ejemplos citados, expongo ejemplos de sitcoms emblemáticos y de buena calidad para el Target propio de cada uno. Sin embargo, existe un público que generación tras generación (y más fuertemente desde los años 80) ha logrado tener su propia identidad y para el cual es complicado generar contenido. Se trata de aquellos jóvenes entre los 22 y 25 años de edad, recién egresados de la universidad y que están en su primer trabajo e iniciando una vida independiente. Los Veinteañeros.

Es a este público objetivo a quien apunta esta serie. Friends narra los conflictos de 6 amigos en sus 20’s y como es en esta edad que, si bien la familia es importante, son aquellos que están día a día con nosotros (o con los estadounidenses que gustan de mudarse a ciudades lejanas) los que juegan un papel realmente importante en nuestra cotidianeidad.

Estos 6 amigos son 2 hermanos (Monica y Ross Geller), la amiga de la infancia de Monica (Rachel Green), el amigo de la universidad de Ross (Chandler Bing), El compañero de cuarto de Chandler (Joey Tribiani), y la ex compañera de cuarto de Monica (Phoebe Buffay). Todos ellos con personalidades que al principio de la serie se sienten muy similares, pero que conforme al desarrollo de la misma (más específicamente de la segunda temporada) se comienzan a distinguir mejor:

  • Ross: Paleontologo, Divorciado de una Lesbiana, Nerd
  • Monica: Chef Profesional, Obsesiva Compulsiva
  • Rachel: Administrativa (no se descubre hasta la tercera temporada), hija de una familia adinerada, forzada a independizarse
  • Chandler: Especialista en analisis y reconfiguración de datos, Sercastico y cómico, Inseguro y malo con las chicas
  • Joey: Actor, Mujeriego, inteligencia poca pero de gran corazón
  • Phoebe: Hippie, Huerfana, Seprada de su gemela, criada en la calle y 100% independiente.

Debido a la edad y situaciones propias del entorno, los temas que trata la serie, además de la amistad por su puesto, suelen ser de tipo sexual, laboral, de convivencia en el hogar, de tipo monetario (si, hay un episodio que habla de que unos amigos ganan más que otros) y de relaciones sentimentales, identificando plenamente a ese grupo de jóvenes que están entrando en la edad adulta y que sufren con todos los cambios y situaciones que ello conlleva

¿Porque Friends?

Recuerdo muy vagamente cuando esta serie la transmitía el canal 4 (el canal de la ciudad) en un horario prácticamente nocturno (después de las 9), yo tendría aproximadamente entre 10 y 12 años.

Sin embargo, fue cuando tenía ya los 19  años cumplidos, que un día estaba en casa de una prima y vi en su cuarto los dvd’s de la cuarta temporada. Me los prestó, y me obsesioné. El humor, las situaciones, los conflictos, todo me identificaba. Y me di cuenta que la vida es más que tomar decisiones.

Friends trae un mensaje muy positivo y muy fuerte, y no solo es la amistad, sino que gracias a la amistad, la vida puede ser tan fácil y llevadera, que las risas pueden encontrarse en los lugares que menos nos imaginamos.

Amigos, siempre los recordaremos…

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